Un paso a paso con tips de composición y herramientas de software, selección de tutoriales, y consejos para trabajar en la industria del gaming. Todo lo que tenés que saber en esta nota. Por Tito Lopez
Música en Videojuegos: más que un fondo, una experiencia
La música en los videojuegos no es simplemente un relleno, es un pilar clave que puede cambiar por completo cómo vivimos una partida. Lejos de ser un simple fondo, la música tiene la capacidad de sumergirnos en el universo del juego, creando atmósferas únicas y dándole un plus a la narrativa que otros elementos no pueden lograr por sí solos. Pensemos, por ejemplo, en lo que sentimos al escuchar las primeras notas del tema principal de The Legend of Zelda, o la épica y emotiva música de Final Fantasy. Incluso en juegos más orientados a la acción como Halo, la música no sólo acompaña las escenas de combate, sino que también construye la identidad y el clima del juego. Estos casos muestran claramente cómo la música puede transformar un buen juego en una experiencia inolvidable y cargada de emoción.
La importancia conocer el universo del juego para la composición musical
Para componer una música que realmente funcione en un videojuego es fundamental entender bien el mundo en el que se mueve. La ambientación y el estilo del juego son la base sobre la que se construye la banda sonora. No es lo mismo hacer música para un juego de fantasía épica, donde los instrumentos orquestales pueden transportar al jugador a un reino mágico, que para uno de ciencia ficción, donde los sintetizadores y los sonidos electrónicos crean un ambiente futurista. Los juegos de terror, por su parte, necesitan atmósferas opresivas y sonidos inquietantes que hagan que el jugador no pueda relajarse, mientras que los juegos de aventura se benefician de melodías que despierten el deseo de explorar y descubrir. Por eso, es clave trabajar codo a codo con el equipo de desarrollo, charlar con los diseñadores y guionistas te va a permitir captar la esencia de la historia, los personajes y la visión global del juego. Este ida y vuelta constante asegura que la música no solo acompañe, sino que enriquezca la narrativa y el diseño, haciendo que la experiencia para el jugador sea mucho más inmersiva y completa.
Ejemplos musicales para inspirarte
Para entender realmente cómo la música puede transformar la experiencia de un videojuego, es clave escuchar algunos ejemplos específicos de piezas musicales que han dejado huella en juegos icónicos. Esto va ayudarte a ver cómo se aplican distintos estilos y técnicas en un contexto real y cómo podés llevar esas ideas a tus propias composiciones.
Un gran ejemplo de música de exploración y ambiente lo encontramos en The Legend of Zelda: Breath of the Wild. Acá, los temas suaves y sutiles acompañan al jugador mientras recorre el vasto mundo del juego, creando una atmósfera que te invita a perderte en su inmensidad.
Cuando hablamos de música de batalla y acción, Doom (2016) se lleva todos los aplausos. Mick Gordon, el compositor, hace un trabajo espectacular usando guitarras eléctricas y sintetizadores para crear un sonido pesado e intenso que eleva la adrenalina del jugador al máximo. Esos riffs potentes son lo que te hacen sentir como si estuvieras en medio de un combate épico.
Finalmente, si querés ver un ejemplo de música interactiva y adaptativa, Journey es el juego para estudiar. En este título, la música se adapta dinámicamente a las acciones del jugador y a los eventos del juego, creando una experiencia que es tan envolvente como emocional. Esta capacidad de la música para cambiar y evolucionar junto con la narrativa del juego es lo que la hace verdaderamente especial. Encontrá ejemplos en YouTube y dejate llevar por esta obra maestra de la música de videojuegos.
Herramientas y recursos para compositores
Software DAW e instrumentos virtuales (VSTs)
En el vasto mundo de las estaciones de trabajo de audio digital (DAW), la elección de software puede ser abrumadora. Personalmente, prefiero Ableton Live por la abundancia de recursos disponibles en línea y su flexibilidad en la composición. Sin embargo, una excelente opción gratuita es Reaper, un DAW robusto y de código abierto compatible con Windows, Mac y Linux, que proporciona una plataforma profesional sin costo inicial.
En cuanto a los VSTs, hay una gran variedad de opciones para elegir, tanto gratuitas como de pago. Aquí algunos imprescindibles:
VSTs Gratuitos
- Magical 8bit Plug: este plugin es ideal para crear música chiptune, evocando los sonidos clásicos de los juegos retro. Descargar Magical 8bit Plug gratis
- Vital: un sintetizador wavetable potente y versátil. Lo mejor de Vital es la comunidad activa que comparte paquetes de presets gratuitos y la amplia disponibilidad de tutoriales en línea, lo que facilita su aprendizaje. Descargar Vital gratis
- Spitfire Audio LABS: este conjunto de instrumentos ofrece sonidos sampleados de alta calidad. LABS es gratuito y proporciona una amplia variedad de texturas para enriquecer tus composiciones. Descargar Spitfire Audio Labs gratis
- BBC Symphony Orchestra Discover: es otra opción ligera que te permite acceder a una orquesta completa sin exigir demasiado a tu computadora. Descargar BBC gratis
VSTs de Pago
- Nucleus de Audio Imperia: esta biblioteca es una excelente puerta de entrada al mundo de la música orquestal. Incluye una gama completa de instrumentos, lo que permite crear maquetas de alta calidad.
- Cinematic Studio Series y Vista: ideal para compositores que buscan capas de sonido más definidas y realistas.
Para lograr que las maquetas orquestales suenen realistas, es crucial trabajar con programación de expresiones y dinámica. Parámetros como CC1 (Mod Wheel) para modulación, CC2 (Vibrato) y CC11 (Expresión/volumen) son fundamentales para dar vida a las interpretaciones. Ver ejemplo.
Tutoriales y recursos online
Si bien aprender de manera autodidacta es posible, recomiendo contar con una guía sólida para desarrollar un conocimiento más estructurado. Estudiar en instituciones como Arjaus o con un tutor puede proporcionar esa columna vertebral esencial.
Si preferís los cursos online, recomiendo los de Evenant, en especial Orchestral Sketching, y los de Cinematic Composing de Marc Jovani, que son muy completos y te guían paso a paso en la creación de música para videojuegos. La clave es practicar lo que ves en cada lección para internalizar las técnicas.
Otra forma efectiva de aprender es mediante tutoriales en YouTube buscando términos como “How to make cinematic (estilo musical) music” encontrarás una gran variedad de contenido de calidad. Te recomiendo comenzar a ver cada video tutorial solo si te gusta el resultado final que se muestra sobre la composición. Esto te asegurará que el esfuerzo de atención valga la pena.
Middleware de Audio: creando una experiencia musical interactiva
Si realmente querés que la música en un videojuego cobre vida y se adapte en tiempo real a lo que sucede en el juego, es fundamental aprender a manejar middleware de audio como FMOD o Wwise. Estos programas son herramientas poderosas que permiten a los compositores y diseñadores de sonido crear una experiencia musical que responde directamente a los eventos del juego; ya sea un cambio en la atmósfera, una transición a una escena de combate, o incluso las decisiones del jugador. La integración con motores de juegos como Unity o Unreal es bastante fluida, lo que facilita la implementación de música dinámica e interactiva sin necesidad de ser un programador experto. Por ejemplo, podés crear un soundtrack que incremente su intensidad cuando el jugador se acerca a un jefe, o que cambie de tonalidad en función de la salud del personaje. Esto no solo enriquece la inmersión, sino que también convierte la música en un elemento vivo dentro del juego, capaz de reaccionar y evolucionar junto con la narrativa.
FMOD, en particular, ofrece tutoriales gratuitos y detallados que guían a los usuarios paso a paso para entender cómo funciona el middleware, facilitando el proceso de aprendizaje para quienes se están iniciando en el mundo de la música interactiva. Estos recursos son de gran valor para cualquier compositor que quiera expandir sus habilidades y crear experiencias sonoras realmente inmersivas. https://www.fmod.com/learn
¿Se puede vivir de componer música para videojuegos?
¡Sí, es posible! Pero como cualquier profesión, requiere dedicación y esfuerzo. Invertir horas semanalmente y comprometerte con tu crecimiento como compositor es esencial.
Tiendas de Assets
El mercado local en Argentina es limitado, ya que muchas empresas y desarrolladores suelen tener compositores fijos. Sin embargo, vender tu música en tiendas de assets como itch io, GameDev Market, Unity Asset Store o Unreal Engine Marketplace puede abrirte a una audiencia global. Hasta el momento, he lanzado tres álbumes: uno de música chiptune, otro de música orquestal y uno de synthwave, que se puede ver a continuación:
La ventaja de vender música en estas tiendas es que permite generar ingresos pasivos. Además, puede atraer a desarrolladores que busquen composiciones personalizadas. Me ha sucedido que después de comprar mis álbumes, desarrolladores me han contactado para colaborar en proyectos específicos, diciendo: “Hey Tito, compré tu álbum de synthwave y me encantaron los tracks. ¿Podrías componer algunos más personalizados para mi juego?”. Este tipo de interacción es un excelente punto de partida para trabajos personalizados y también ayuda a sumar créditos rápidos para tu portafolio.
Buscar clientes directamente
Otra técnica efectiva es investigar las tendencias de juegos indie en Steam o Playstore. Deberías crear una base de datos en Excel con detalles sobre los juegos, estilos musicales que podrían encajar, y el contacto a los desarrolladores a través de correos electrónicos o redes sociales como «X» (ex Twitter). Mostrar entusiasmo por sus proyectos y enviar ejemplos de tu trabajo puede abrirte puertas.
Grupos en Facebook, Discord, y Reddit también son excelentes para encontrar oportunidades. De hecho, conseguí trabajar en Discovery Channel gracias a un post en un grupo de Facebook (esto lo contaré luego en otro artículo). Comunidades que recomiendo:
- AVA – Comunidad de Audio para Videojuegos Argentina
- Game Audio Latam
- Buenos Aires GameDevs
- Bolsa de Trabajo: Videojuegos Arg (BTVA)
Creación de una marca personal
Para aprovechar estas oportunidades, es crucial haber desarrollado un portafolio sólido y tener una presencia activa en redes sociales. El desarrollo de una marca personal no solo te hace visible, sino que también demuestra tu compromiso y profesionalismo.
Recomiendo seguir y aprender de profesionales de la industria musical que crean contenido de calidad, como:
- Steven Melin: Sus tutoriales me inspiraron a empezar en el mundo de la música para videojuegos.
- Ariel Rimoldi
- Paco Salazar
- Juan Dussan
- Tobi Weiss
Compositores Argentinos a Seguir
Conclusión: la persistencia y el networking son clave
Es fundamental ser persistente y estratégico. Aunque hay casos de éxito que surgen con un solo email, la mayoría de las oportunidades se logran tras enviar muchos correos y mensajes directos. El networking, participar en game jams, colaborar con pequeños grupos de desarrollo, y mantener una presencia activa en la comunidad son formas efectivas de crecer en esta industria.
Consejos para nuevos compositores: paciencia, adaptabilidad y comunicación
Si hay algo que aprendí en este camino, es que la paciencia y la persistencia son fundamentales. No esperes que el éxito llegue de un día para el otro, porque esto es una maratón, no una carrera de velocidad. Habrá momentos de frustración, pero son esos momentos los que te empujan a mejorar y a aprender de los errores. Aceptar que cada paso en falso es una lección es clave para evolucionar como compositor. Además, es esencial ser versátil y adaptable. La industria de la música para videojuegos es tan diversa como los juegos mismos, y los compositores que pueden moverse entre distintos estilos y géneros son los que más oportunidades encuentran. No te encierres en un solo género; experimentá, probá cosas nuevas, descubrí diferentes herramientas y recursos. Y, por último, nunca subestimes el poder de la comunicación y la colaboración. Trabajar de cerca con desarrolladores, diseñadores y otros artistas es vital para entender la visión del juego y saber cómo tu música puede potenciarla. Es en ese intercambio de ideas y en esa sinergia donde nacen las bandas sonoras memorables.
Flor Sosa